" Ases falsos - Juventud americana (2012) "

Tal vez aún existen algunos escépticos que al oír el nombre ases falsos se declaran "viuda" de fother muckers. Pero esta transmutación del núcleo musical tiene sus pro y contra. El primer contra, la estrepitosa salida del guitarrista Héctor Muñoz, derogando así una presencia musical sesentera, por sus arreglos muy bien complementados a las melodías innovadores de Cristóbal Briceño. Un pro, una evidente madurez musical, desde el sonido a la letra. Juventud americana es entonces lo que dejó este proceso "entre bandas".

Un álbum marcado por la inclusión definitiva de teclados, que insinúan una vocación un tanto electrónica-ochentera (curiosamente tomando terreno en la música popular chilena contemporánea). Sumado al siempre irreverente carácter de Briceño, nos da un resultado novedoso; que desde ahora nos hace prestar mucha más atención en la letra. Aquella irónica etapa de "...a ti te dieron donde no se ve" da un vuelco a la preocupación del entorno social. Desde inmigrantes hasta bulling escolar, son temáticas abordadas al estilo Briceño. Dejando la sensación de que la mayoría de la canciones fueron escritas inspiradas en historias leídas en un periódico o contadas de voz en voz. Lo cual no deja de ser válido, siempre es bueno hablar de la realidad. A pesar de esto, el disco visto como un colectivo de canciones, carece de un equilibrio entorno a la calidad. Es decir, hay canciones muy buenas y canciones muy malas, que rosan lo infantil. Es cómo si no procuraron hacer un colador de canciones. Quizá con el sólo fin de tener un repertorio amplio que les permitiera dejar de lado el fantasma de fother muckers.

Se extraña un poco la ironía, tanta seriedad incomoda a ratos. Pero así como Lennon no pudo dejar de lado los ritmos sesenteros, en su etapa solista. Briceño tampoco puede emanciparse completamente de la ironía. Por ejemplo: europa o no quiero que estés conmigo. Hay algo que no debemos olvidar. Éste es un nuevo grupo, el cual está en todo su derecho de aplicar los términos musicales que les entren en ganas, sin pensar en una continuación lógica con fother muckers. Por lo que el resultado es positivo e igual de bueno que lo fue fother muckers.
También nos podemos asombrar con canciones como venir es fácil y el golfo de Adén. Que son parte de esta nueva propuesta musical que gusta y da que hablar.

Ahora sólo nos queda esperar, que nos depara en un futuro el inquieto Cristóbal Briceño, su fiel acompañante Simón Sánchez. El histriónico Martín del Real. El activo Boris Ramirez y el desconocido (por mi al menos) Juan Pablo Garín.

Ases falsos - venir es fácil (primer single) https://www.youtube.com/watch?v=zRsps8bGYFo

" The Doors - Strange Days (1967) "

Segundo disco de la gran banda psicodélica de los 60', The Doors. Jim Morrison, Ray Manzarek, Robby Krieger y John Densmore, nos demostraron en este disco: virtuosismo, seriedad y psicodelia, para poder entregarnos, uno de esos discos indispensables para nuestros oídos.

En este trabajo, se incluyen canciones que no alcanzaron a estar en el primer disco; no obstante, ese motivo no logra ser impedimento, para que este álbum alcance en el 2003, el lugar Nro #407 entre los 500 mejores álbumes de todos los tiempos por la revista Rolling Stone y en 1967, el #3 en los Billboard, en EE.UU.

Cabe mencionar que las canciones más emblemáticas de este disco son: "Strange days", "Moonlight drive" (canción que no fue incluida en el primer disco, por no tener la música apropiada), "Love me two times", "People are strange" y "When the music's over"; las cuales, no pasaron inadvertidas por ningún fanático empedernido de ésta banda de Los Ángeles.

The Doors, se convierte en unas de las bandas de rock psicodélico, más influyentes de todos los tiempos; no sólo por la calidad de sus músicos (donde incluimos a las letras de Morrison, los ritmos centroaméricano de Densmore, las guitarras españolas de Krieger y los teclados 'clásicos' de Manzarek), sino también, una combinación, entre la imagen que proyectaban como grupo, las películas que realizaron, los disturbios en cada concierto, la 'no' participación de un bajista en vivo y el 'no' llamado para participar en Wooodstock, entre otras cosas.

Cada canción del disco, encierra un por qué distinto, una percepción, una creación independiente, sin embargo, siempre enmarcado en la psicodelia y la casi improvisación de los integrantes; nos llevan desde un "Strange days", lleno de bajos y órganos envolventes, pasando por el timbre del clavicordio y de un bajo repetitivo de "Love me two times", seguimos viajando por un poema que Jim escribió en la adolescencia, "Horse latitudes", luego nos vamos a un sonido estéreo de "Moonlight drive", y después pasamos por un "People are strange", que nos cautiva con una perfecta coordinación y ensamble entre los instrumentos, para finalmente terminar, con una canción de larga duración, la cual, está llena de virtuosismo y calidad musical por parte de todos los integrantes de la banda, como lo es: "When the music's over".



The Doors - "When the music's over"
http://www.youtube.com/watch?v=jLAr-WlxMZY

" Café Tacvba - Re (1994) "

Es el segundo trabajo musical de la banda Café Tacvba, y se le compara por su complejidad musical, cantidad de temas y calidad, con el "White Álbum" de The Beatles. Su nombre proviene de la segunda nota musical (Re). Entrar a un análisis de este disco, se torna difícil y muy poco predecible, ya que, convergen los ritmos afro latino, los ritmos oriundos de México, los ritmos lentos, americanos, europeos, etc... y donde la experimentación está en cada canción, en cada frase.

De todas formas, aunque este disco posea tan variados tipos de canciones y donde cuesta poder elegir "una mejor que otra", podemos rescatar grandes composiciones, como por ejemplo: "El Metro", donde se siguen utilizando recursos musicales frescos y movidos; "El baile y el salón" donde el coro se establece como casi un himno buscando algo mejor; "El Borrego", donde utilizan recursos musicales que se asemejan más a estilos musicales como punk-rock; "La Ingrata", corrido muy mexicano y uno de los temas más populares de este disco; "Esa noche", canción que permite envolvernos y viajar a lo más sentimental de nuestro interior; "El ciclón", que para ellos (Café Tacvba) es fiel reflejo del disco, "El aparato", "Las flores" o simplemente, "El puñal y el corazón". Cabe destacar, que la gran mayoría de las canciones de este disco, fueron posteriormente tocadas en 1995 en el Unplugged de MTV, coronándose como uno de los mejores que reprodujo el canal televisivo durante su emisión.

Como dije anteriormente, cuesta solo elegir una canción de este disco, cada canción tiene su concepción y su creación previamente pensada. Por este motivo, siento que este disco se transforma en uno de esos discos - como se dice comúnmente - subvalorados, ya que, no todos lo han escuchado completamente y analizado en todas sus dimensiones.

Finalmente tomo las palabras textuales de Cosme, para referirse a "Re": "...y bueno, definitivamente se nota en este disco que hicimos lo que quisimos, a nosotros nos gusta mucho su concepto pues, muy ecléctico, tiene que ver con lo pluricultural que es México, y bueno, pues, eso es "Re"".



Café Tacvba - "El Ciclón" (Primer video del Álbum "Re")
http://www.youtube.com/watch?v=W9QL72NypUI

" David Gilmour - On an island (2006) "

Ya han pasado poco más de 6 años desde que salió a la luz este registro musical del inglés guitarrista. Pero el tiempo no me apocan las ganas de hablar de on an island. Porque entre los tres discos que ha compuesto Gilmour,(david gilmour, about face y on an island) es éste último que se acerca de mejor manera a lo que fue e hizo en Pink Floyd. Y por lejos, es lo mejor que ha hecho como solista. Algunos dicen, que es el único integrante de la legendaria banda que ha podido reproducir, como solista, aquella esencia característica de discos como dark side of de moon o wish you were here. Quién diga esto no ha escuchado los discos solistas de Richard Wright. Coincidentemente colaborador musical de Gilmour en on an island.

Son pocos los puntos bajos, de hecho la crítica negativa iría más hacia el público y al mismo David, por subvalorar este disco. Otro punto sería, el de no atreverse a escribir más, ya que la mayoría de las letras son de Polly Samson.

Una abanico de posibilidades, algo así como "para todos los gustos"; tiene en el tracklist del disco. Tanto para ortodoxos como para aquellos seguidores más flexibles de Pink Floyd. Algunos pensarán que remito mucho a esta banda. Pero es imposible hablar de on an islad sin citar a la banda inglesa. Sus canciones, muchas de larga duración, nos devuelven esas melodías soleadas que agregan el carácter volátil a la música. Enlazada con esa armonía que todo permite. Incluso como concileador del sueño.
Característico del Gilmour de Pink Floyd, hacer cosas grandes con recursos sencillos. Algo no visto en sus discos anteriores, que más bien exploran otra faceta, un tanto new wave.

El punto más alto, es where we start, canción compuesta íntegramente por David Gilmour, y aquí hago un nexo con lo que dije anteriormente. El contenido lírico refleja fielmente la nostalgia contenida en años de un viejo Gilmour. A mi parecer es la canción más bonita del disco, tanto por su contenido lírico y su espectacular música; que confabulan perfectamente. Es por esto que creo que el legendario guitarrista debería aventurarse más a escribir.

Me inquieta que el tiempo avance y aún no tenga noticias de una posible nueva producción de Gilmour. Porque este disco me deja con la sensación de que da para una continuidad. Pero no pierdo la esperanzas al recordar que de disco en disco, históricamente han pasado muchos años. Recomiendo este disco, que se ganó
con creces mi respeto y admiración.

PD: Mientras escribía, escuché el disco. Y terminé de escribir al mismo tiempo que éste culminó.

David Gilmour - Where we start (live in Gdansk)
https://www.youtube.com/watch?v=wGcJgdIfAX8

" Los Tres - Coliumo (2010) "

Han pasado poco menos de cuatros años desde que salió aquel disco que los devolvió a la escena musical chilena. Entremedio han pasado muchos acontecimientos nacionales; asume como presidente, después de 20 años de “centroizquierda”, un empresario de “centroderecha”. Pasando por el más relevante acontecimiento en décadas e inevitable de recordar, terremoto y tsunami. Localidades como constitución,  lebu, dichato y coliumo fueron mayoritariamente afectadas, tanto por los efectos del fenómeno natural como el posterior abandono. Es esta última localidad es la que titula el séptimo álbum de los consagrados e influyente los tres, para rendir honor y respeto a su gente que a punta de esfuerzo ha salido adelante.

Un tanto más digerible (es decir: fácil de convencer)  que su antecesor hágalo usted mismo, Álvaro, Ángel y Titae se inspiran en los sonidos que conformaron sus identidad en los 90’. Desde el pop británico (cielo oscuro), hasta el rockabilly a la chilena (cárcel, hospital y cementerio) manteniendo siempre la ironía a flor de piel (rosas altar)  y aquel toque folklórico (diabla) heredado por Violeta y Roberto, al cual de pasada hacen un pequeño homenaje (en el banquillo, en capilla y don José). Rico en letras y diversidad musical, coliumo destaca una madurez e insinúa sublimemente la grandeza de su recorrido, el cual les da derecho a estas alturas, de hacer lo que les plazca y seguir en lo alto de nuestra escena musical. Probablemente no será un disco que quedará en los annales de la música; como lo es la espada en la pared o fome. Pero considerando que las formulas se desgastan, y son pocos los grupos que logran convivir con esto, coliumo tiene el mérito  de luchar contra la corriente, haciendo que sea muy recomendable escucharlo.

Los Tres - Hoy me hice la mañana (segundo single promocional)
http://www.youtube.com/watch?v=Rl-DKRbKpLc

" Manuel García - Acuario (2012) "

Escribo estas primeras líneas, escuchando lo que es la última producción de Manuel García, Acuario. En un reportaje leí, que el personaje que aparece en la carátula, era un viajero en el tiempo, que se pregunta qué pasará en un futuro no muy lejano, contándole a través de las canciones, a las generaciones próximas, como era antes el mundo. Acuario, oscila entre la música trovadoresca y melancólica, que nos tiene tan acostumbrado Manuel García, - en sus anteriores producciones -, y a sonidos electrónicos como baterías, efectos “strings” y sintetizadores. Está bien - seamos sinceros - , la música va cambiando, se va transformando a través de los años, pero siento un poco de ‘temor’, al darme cuenta de que casi todos los músicos de la escena nacional, que han surgido durante este último tiempo - sobre todo aquellos que nacieron sobre la concepción de la música trovadoresca -, se han transformado junto con su música, llevándola a tal punto, de experimentar en la utilización de recursos digitales y electrónicos, para sus composiciones, instalando nuevos instrumentos en el quehacer creativo. De todas formas Manuel, no nos deja de sorprender en esta última producción. La pena que lo caracteriza se hace evidente en este viaje, en esta búsqueda de eternas respuestas, en esta pérdida absoluta y recuperación inmediata; roza con lo oscuro, vuelve a mostrar la alegría, cae en la pena, y regresa a la luz. Manuel García dejó su mochila con sueños provincianos en la vereda, dejó de cantarle a la gran capital, al viejo comunista, a la danza de las libélulas y a la ventana donde es más clara la mañana; dejó de perderse en los barcos de cristal, dejó el reproche en los lentes de Allende; para mostrarnos a un carcelero lleno de sueños, dentro de un acuario,... junto a un rey y un diez.

Manuel García - "Carcelero" (Primer sencillo del disco)

https://www.youtube.com/watch?v=E02EjZKVva8