" Vicentico - '5' (2012) "

Es el quinto álbum de estudio de Gabriel Fernández Capello, conocido comúnmente como Vicentico. Fue lanzado el 25 de Diciembre del 2012 y el mismo día, alcanzó el disco de platino en Argentina. Estuvo en las radios durante una semana en el Top 5, y luego permaneció en el #1 en Argentina.

El disco cuenta con la participación de Valeria Bertuccelli, esposa de Vicentico, la cual, aporta en dos canciones: "No te apartes de mi" y "Esto de quererte". Todos los temas fueron compuestos por Vicentico, a excepción de tres: "No te apartes de mi" (Roberto Carlos), "Esto de quererte" (Xuxa) y "Sólo hay un ganador" (ABBA).

A mi parecer, la temática de '5' es contar una historia de amor, donde empieza con canciones mas bien románticas y entregadas a ese maravilloso sentimiento amoroso, y termina, con canciones de dolor, angustia y rutpura. Comienza con "Creo que me enamoré", una canción totalmente romántica, entregada y llena de un amor incondicional; ese que nos envuelve cuando encontramos a 'esa persona' tan anhelada. Continúa con "No te apartes de mi", donde sigue ratificando ese sentimiento. "Soldado del Dios", es casi una oración, donde le pide al Señor, la solución a sus problemas. En "Esto de quererte", nos muestra esa terquedad que todos hemos experimentado, donde no queremos dejar el pasado atrás e insistimos en los recuerdos. Luego viene "Sólo hay un ganador", donde nos refleja esa cruda realidad del amor, la cual nos indica, que siempre hay uno que termina 'peor' que el otro. El disco termina con "Carta a un joven poeta", donde dan algunos consejos, para seguir tranquilo en la vida.



Vicentico - "Creo que me enamoré"
http://www.youtube.com/watch?v=Qb_pWJtM9HY

" Deep Purple - Machine head (1972) "

Deep Purple es considerado como uno de los más grandes grupos influyentes en la escena del hard rock y el heavy metal,  pasando por estilos de rock psicodélicos, rock sinfónico, blues rock, rock progresivo, etc.. y en éste disco, - su sexto - nos demuestran aún más, porque son referentes musicales para las nuevas generaciones.
La banda de Hertford, Reino Unido, tuvo variadas alineaciones de integrantes, pero se dice que la más exitosa fue: Ian Gillan (voz), Ritchie Blackmore (guitarra), Jon Lord (teclados), Ian Paice (batería) y Roger Glover (bajo); con la cual, vendieron mayor cantidad de copias de discos.
El disco está repleto de éxitos, como por ejemplo: "Smoke on the water", "Lazy", "Highway star", "Space Truckin' ",... alcanzando "Smoke on the water", en 1973, el 4to lugar en EE.UU. y 2do lugar en Canadá. Este disco también permitió que la música de Deep Purple se masificara, y consiguieran una no despreciable cifra de presentaciones, llegando a tocar 44 semanas seguidas, lo que provocó a su vez, pequeñas rencillas y diferencias entre los integrantes del grupo, principalmente, entre Gillan y Blackmore. Por último, cabe mencionar que gracias a todas los beneficios que trajo este disco (presentaciones y ventas), Deep Purple, se embarca a Oriente, a realizar una serie de presentaciones, las cuales quedaron registradas en su gran disco en Vivo "Made in Japan".

"Machine Head", comienza con "Highway star", una canción potente y poderosa, donde ningún oyente puede quedarse estático y, como si fuera por arte de magia, comienza el movimiento de cabeza o de pies, al ritmo de la música. En el track 3, está "Pictures of home", una canción que devela ese sonido tan característico de Deep Purple; luego, presentan su hiper conocida canción "Smoke on the water", con su riff tan característico, lo que la transformó en una de las canciones más populares y conocidas del grupo; ya casi llegando al final, se presenta "Lazy", una canción de larga duración, donde los instrumentistas muestran todas sus cualidades, entregándonos minutos y minutos de solos instrumentales, mientras la base del tema es una constante, se repite y se repite. Finalmente, aparece "Space Trickin' ", donde la fuerza de Deep Purple se nota en todas sus dimensiones, y en todos sus instrumentos, pasando por el riff que hace Blackmore en el coro, por el motivo musical que realizan durante la estrofa (bajo y teclado), la batería constante de Paice, hasta llegar a la voz de Gillan.

Es - sin duda alguna - uno de los mejores discos de Deep Purple, convirtiéndose en un hito, dentro del Rock.


PD: Sería bueno mencionar, que Deep Purple es una de las pocas bandas, que sus presentaciones en Vivo, superan con creces sus grabaciones de discos.



Deep Purple - "Smoke on the water (Live USA 1973)"
http://www.youtube.com/watch?v=7mCK05dgwgU

" Juana Fe - Afrorumba chilenera (2007) "

Juana Fe, es una banda que nació en la comuna de Conchalí, y junto a Chico Trujillo, Guachupé, Tizana y La mano ajena, son considerados como los precursores de la nueva Cumbia Chilena.

"Afrorumba chilenera". Es el segundo disco de la banda, donde todos los temas tienen vida propia - y se subsisten por si solos - , resaltan éxitos como "Chin chin", "Callejero", "Andrea", "El que te quiere te quiere", "El volcán, etc. Luego de su exitoso álbum debut "Con los pies en el barrio" (2004), 'Juana Fe' decide seguir expandiendo su música, pero nunca perdiendo esa mescolanza entre ritmos latinos (cumbia, salsa, timba, rumba, etc.) y crítica social. Este disco, permitió catapultar finalmente al grupo e insertarse en el círculo musical chileno, donde no solo ahora trabajan como grupo musical, sino también, como productores de la "La makinita", una plataforma de producción y difusión musical, donde participan diversos grupos.

En cuanto al disco - primero como una mirada general -, se puede mencionar que está cargado de guitarras con distorsión, cortes, melodías y armonías, muy características de los ritmos centroamericanos mezclados con un toque chileno, y si juntamos todo eso, con letras que describen la comunidad, el barrio y todas las peripecias que conviven en los sectores más periféricos de la capital, nace un disco que es recomendable escuchar por completo.

El disco comienza con "Callejero" - una cumbia 'sencilla' -, que se sostiene musicalmente en un solo acorde, posee un coro pegajoso y una letra llena de contenido social, transformándose a la postre en un éxito sin lugar a dudas; luego continúa con "Chin chin" (3er single del disco), donde se hace alusión al chinchinero, ese personaje tan típico de nuestro país; luego se nos presenta "Afrorumba chilenera", donde la mezcla de ritmos latinos, se hace presente en su cabalidad; "El volcán", nos demuestra la crudeza que se vive en una de las población más marginales de Santiago y donde a ninguna de las autoridades les importa; "El que te quiere te quiere", se convirtió en un tema subvalorado por el común de la gente, pero muy bien valorado por sus pares musicales, por su complejidad; en "La telaraña", se ve reflejada esa fuerza 'latina' de Juana Fe; "La dormida", es la única canción que no comienza cantando Juan Ayala (Juanito), comenzando muy tranquilamente, con una guitarra y después sumando los demás instrumentos; en "Los tambores", la percusión destaca más que en otras canciones, y se transforma en uno de los grandes recursos utilizados y explotados por Juana Fe; y por último en "Andrea", nos demuestran que por más que una armonía musical parezca 'simple', se puede transformar en éxito, si se complementan bien los instrumentos.




PD: Se agregó una última canción, en la misma pista de "Andrea", se llama "Botox / Chilian suing", y cual, posteriormente fue regrabada con Nano Stern, y lanzada en un disco inédito el 2012.


Juana Fe - "Chin chin / Callejero. Festival de Viña (2008)"
https://www.youtube.com/watch?v=swhjijI24_M

" Tata Barahona - Fotografias (2011) "

Pedro Barahona, el nombre de pila de un multifacético músico. Profesor, luthier, trovador, actor social, poeta etc. Todas estas cualidades musicales suman y personifican a Tata Barahona, músico con muchos años de trayectoria fuera de portadas de periódicos,  televisión y radio. Ligado principalmente a la calle, donde ha ejercido mayormente su carrera. Y por naturaleza esto se ve reflejado en su música, nos referimos a fotografías, su última producción musical y primera en ser grabada formalmente.

Un disco dinámico, con canciones de protestas, nostálgicas y como novedad (para los que lo vienen conociendo, ya que esto lo viene haciendo desde siempre) música contenida de situaciones habituales en nuestra sociedad. Hay helado a cien y la más emblemática, la mejicana. ¿Por qué emblemática? es un tema completo que abarca varios puntos favorables para el arte de este trovador de la calle.

- Es una crítica implícita al narcotráfico

- Representa una realidad aludida por los medios y la gente

- El tema no se queda en el relato, contiende canto e interpretación apropiada por cada parte.

Sólo le faltaría un conjunto de baile para poder llamar propiamente este tema como música total.  De todas maneras aquello es innecesario. Es un tema que habla por si sólo, impacta directamente haciendo cuestionar al auditor cuales son los límites de la música.  Inevitablemente te hace pensar, logrando incluso conocer una realidad social inamovible provisionalmente en nuestras poblaciones.

Su virtuosismo en la guitarra y su capacidad vocal se evidencia en todo el disco. Su genio y compromiso espiritual conjugan permanentemente para traernos temas como dos vidas, este domingo, y república, temas que pueden ser catalogados como viajes internos. Y es que su sutileza asombra y conmueve, en especial cuarto piso. No hay forma más sutil para relatar algo tan terrible y habitual como lo hace Pedro Barahona.

Musicalmente, la batería muchas veces está demás, y eso se evidencia en los conciertos donde casi siempre se presenta solo. Tal vez una percusión más discreta hubiese sido más apropiada para el tipo de música que él interpreta, pero queda claro que al trovador de la calle no le vienen con convencionalismos y buscará siempre generar rupturas. Hasta ahora lo logra.

Pedro se mantiene y mantendrá en el submundo musical, porque quiere y le gusta pues su compromiso social y la humildad son dos aspectos intrínsecos a él. Un gran salvador de la decadente música popular chilena, esperemos que pronto conozcamos a más Tatas Barahona que nos entreguen la posibilidad de escuchar música de calidad que nos permitan pensar y salir de la tediosa rutina, es eso lo que se requiere hoy en día.

Esta ocasión mostraré dos temas, un perteneciente al disco y otro parte de su repertorio personal que muestra plenamente su genio musical.

Tata Barahona - "Cuarto piso" https://www.youtube.com/watch?v=aV4bfpB3d6c

Tata Barahona - "Saludos y llamados" https://www.youtube.com/watch?v=RxzcgdVQayo

" Fito Páez - El amor después del amor (1992) "

"El amor después del amor", se convierte en el octavo álbum de Rodolfo Páez, mejor conocido como Fito Páez. Este álbum está plagado de éxitos como: "Un vestido y un amor", "A rodar mi vida", "Pétalo de Sal", "Dos días en la vida", "Tumbas de la Gloria","El amor después del amor", etc; y se transformó en el disco más vendido en la Historia del rock Argentino superando las 700.000 copias vendidas. En el 2012, Fito Páez realiza una gira llamada: "XX años del Amor después del amor".

Este disco coincide con la relación que Fito Páez sostuvo con Cecilia Roth, la cual de transformó en la gran musa inspiradora para el artista durante esta época. Ella estaba casada cuando conoció a Fito Páez, pero se separó y a los ocho meses, comenzaba una relación pública con el rosarino.

El disco fue compuesto íntegramente por Fito Páez, y posee tiene la colaboración de Claudia Puyó, Celeste Carvallo y Fabiana Cantilo en coros, Charly García en "La rueda mágica", de Luis Alberto Spinetta en las guitarras en "Pétalo de Sal" y - sorpresivamente - de Mercedes Sosa en "Detrás del muro de los lamentos".

En cuanto a las canciones del disco, podemos destacar la variedad de creaciones musicales, donde nos lleva desde un coro universal, de "El amor después del amor", pasando por una canción con un sonido más fresco, como lo es "Dos días en la vida"; nos lleva posteriormente a una canción más potente, como lo es "Tráfico por Katmandú", seguidamente, el disco nos presenta una balada triste - pero sin quitarle la fuerza de Fito Páez - "Pétalo de Sal"; un par de canciones más adelante, aparece "Un vestido y un amor" (canción dedicada completamente a Cecilia), la cual, se transformaría en una de las canciones más recordadas de Fito Páez; luego viene "Tumbas de la Gloria", donde Fito nos muestra su capacidad de poder crear una canción tan compleja, pero a su vez, tan sencilla; luego de unas canciones, aparece "Creo", donde se ve reflejado esa frase de: 'Yo creo, y con eso basta...'; después aparece "Detrás del muro de los lamentos", una marinera donde demuestra la gran calidad de músico que es y donde se mezclan, el folclor y la música más pop; ya casi finalizando, se encuentra la "Balada de Donna Helena", balada triste con destellos de oscuridad, que nos envuelve en la pena; el disco termina con "A rodar mi vida", donde participan todos los invitados del disco, para crear un coro universal, y poniendo en claro un mensaje: que su vida siga rodando, lo que está haciendo está bien, y desde ahí debe seguir viviendo.

Fito Páez - "Tumbas de la Gloria" (XX años del Amor después del amor)

http://www.youtube.com/watch?v=mUov-lZaVio

" Deftones - Koi no yokan (2012) "

Un poco más de un mes ha transcurrido del anunciado deceso de Chi Cheng, ex bajista fundador de una de las bandas con un sonido tan característico que ni una banda tributo podría reproducir con la versatilidad que lo hacen Chino Moreno, Abe Cunningham, Sthephen Carpenter, Frank Delgado y el sucesor en el bajo, Sergio Vega. Y es que estos músicos se complementan tan bien que definitivamente trascenderán en la historia de la música popular, como grupos de la envergadura de Led Zeppelin o AC/DC. Koi no yokan es el séptimo tomo de esta enciclopedia llamada Deftones. Y tal como una enciclopedia, hay un curso lógico que no se deja amedrentar por el paso del tiempo. Es cosa de hacer un simple ejercicio, dile ha alguien que escuche este disco sin darle la información previa de que grupo es, y de seguro no pasarán los primero segundos de swerve city (canción que abre el disco) y te dirá "es deftones". 

Disco dotado con las siempre bien ponderadas características musicales de la agrupación: riff fueras de tiempo, música agresiva en contraste de una voz melodiosa, y sus conocidas heterometrías. Todo indica que este disco se alza en un afán de confirmar lo unidos y comprometido que siguen a pesar de los malos ratos. Un tanto más agresivo que sus precursores albumnes. No por canciones en particular sino por la intensidad del disco en general. En el grueso de los discos, después de un montón de canciones de alta intensidad, interviene un tema más tranquilo que entrega una pausa necesaria al receptor, pues da un descanso simbólico que permite digerir de mejor forma el disco. Ejemplos tenemos de sobra: teenager en white pony, cherry waves en saturday night wrist, etc. A koi no yokan le hace falta ese tema sin distorsión para darle aquella pausa al auditor. Entombed es el que más se acerca a ese rol, pero aún así no deja descansar pensando en que podría haber aparecido antes. Es como coloquialmente se dice, "se queda con la bala pasá". Swerve city, totalmente representativo del disco, es un tema de características paradójicas; novedoso dentro de lo usual. Como si nos dijeran que lo que nos han mostrado de su estilo es sólo la punta del iceberg. Otro factor nuevo es la participación de Sergio Vega, quien ya toma de manera plena su rol en el instrumento participando mucho más en la música; aportando así con bajos más dinámicos. El juego entre guitarras sigue tendiendo la misma chispa, con un poco más de ecos compensando quizá la ausencia de influencias trip hop, vista en otros discos. La baterías un poco menos virtuosas, lo cual no significa de poca calidad, ya que se ajustan a una forma de acompañamiento distinto. Y la siempre sublime participación de Frank Delgado, quien es fundamental para la atmósferas de las canciones. Definitivamente deftones da para más.    

De todas maneras, no hay cambio u orden de tema que nos pueda dar una señal de decadencia en la banda, Deftones siguen tan firmes como un roble y como el vino, mientas más viejos mejor.

Deftones - "Swerve city" https://www.youtube.com/watch?v=fmMfzwB5d1s

" Coldplay - A rush of blood to the head (2002) "

Es el segundo álbum de estudio de la banda, y superó en todo sentido (expectativas, la crítica y la recepción de los espectadores), a su anterior disco "Parachutes".

Las grabaciones del disco, comienzan justo una semana después del atentado al 11 de septiembre del 2011 a las Torres Gemelas, y ese motivo, influyó mucho en el estado anímico de los músicos, dejándolo plasmado en las letras y en el música de este disco; donde destaca la utilización del piano y la guitarra como instrumentos casi imprescindible en la composición e interpretación de la canciones.

En este disco, se puede observar un Coldplay más maduro, con nuevas pretensiones, se nota que dejaron atrás esos pequeños 'niños' (llenos de miedos) que mostraron en "Parachutes", y se animaron a innovar, a mostrar una combinación de instrumentos, capaces de envolver - a través de la música -  a cualquier oyente.

"Politik" es el tema con el que empieza el disco. Es una canción potente en un comienzo, que te exige estar atento; cuando Martin se pone a cantar, se crea esa atmósfera musical tan característica en Coldplay, que nos deja con esa sensación de melancolía, de desesperación, sin saber donde ir. El disco avanza, y van apareciendo algunas canciones clásicas del grupo. "In my place", fue 'la' canción que motivó a realizar este segundo disco; Coldplay tenía el deseo de grabarla, y cuando empezaron las primeras tomas de "In my place", comenzaron a "salir" muy naturalmente los siguientes temas de este disco. "The scientist" y "Clocks", rápidamente se transformaron en parte del oído colectivo. "Green eyes", se convierte en una excelente balada, que no deja escapar esa sensación de desesperación que posee el disco. "A whisper", es una canción que utiliza el recurso de la repetición de frase y del riff de la guitarra, como otro argumento de desesperación. Finalmente, cuando el tema de la desesperación no da más, aparece para finalizar el disco, "Amsterdam", canción que sólo se compone con piano y voz, para luego ir, agregando los demás instrumentos.


De este disco, se destacan como sencillos: "In my place", "The scientist", "Clocks" y "Got put a smile upon your face". En el 2003, Coldplay gana el premio Grammy a "Mejor álbum de rock alternativo".




Coldplay - In my place (en vivo)
http://www.youtube.com/watch?v=SINCw_nocJE

" The Clash - London Calling (1979) "

Muy distinto al punk que venían haciendo hasta ahora, The Clash nos sorprende con su tercer álbum de estudio, transformándose en una maravilla de disco, en el cual encontramos no sólo un punk crudo y melódico, sino también, rock and roll, reggae, ska, pop y rockabilly; estilos que no habían sido incursionados por la banda, hasta la fecha.

Durante la grabación del disco, el productor Guy Stevens, lanzaba sillas y mesas para crear un ambiente tenso y poder alcanzar el clima propicio para las canciones. No obstante, no todo fue tensión durante las semanas de grabación, ya que, los integrantes de The Clash jugaban fútbol para relajarse y compartir tiempo juntos. El disco fue grabado en semanas, y algunas canciones fueron grabadas en una o dos tomas.

El título del disco, hace alusión a las transmisiones de la BBC durante la Segunda Guerra Mundial ("This is London calling...", traducción: "Aquí Londres transmitiendo...").

En cuanto a la portada del disco, se debe mencionar que la autora de la fotografía - donde se ve a Paul Simonon golpeando su bajo Fender Precision durante un recital en Palladium de NY - fue Pennie Smith, quien consideraba que su fotografía no era tan buena técnicamente; por el contrario Strummer y el diseñador gráfico Ray Lowyr pensaron que sería ideal, y la incluyeron en la portada del disco. En el 2002, la fotografía ganó un concurso,  organizado por la revista Q, donde fue galardonada como la mejor fotografía de rock and roll de todos los tiempos, comentando: "captura el último momento de rock and roll - la pérdida de control".

El dúo Strummer y Simonon, nos presentan un disco cargado de líricas como la droga, la responsabilidad parental, el desempleo y la injusticia racial, sobretodo por parte de Strummer. El disco comienza con el exitoso single "London calling", lleno de conciencia social y sin perder esa esencia punk; "Jimmy jazz" se convierte en un rock and roll más pausado, donde se pueden oír los primeros instrumento incorporados; en "Spanish bombs", regresan a esa esencia 'ramonesca' que bien es utilizada en el punk; en "The guns of Brixton", nos presentan un sonido más oscuro, pero nunca alejándose del punk tradicional; en "Wrong 'em Boyo" y "The card cheat", agregaron pianos a sus grabaciones y trompetas, lo que les da una frescura musical; y por último, "Revolution rock", se convierte en una canción llena de las nuevas influencias (cabe detenerse y decir que "Los Fabulosos Cadillacs, realizaron un cover a esta canción).

A pesar de su larga duración como disco, no se transforma en algo tedioso, ya que The Clash, nos muestra una variedad de sonidos y combinaciones, pasando desde un punk tradicional, para luego llevarnos un rock and roll, ska, reggae, etc. o simplemente a otros ritmos menos tradicionales en el ámbito del punk, pero nunca perdiendo esa esencia tan característica de ellos. 

El disco, en el 2007, fue incluido en el Salón de la Fama del Grammy; y el 2 de Diciembre del 2009, apareció en la “serie de obras maestras” de la BBC Radio 1, marcándolo como uno de los discos mas influyentes de de todos los tiempos; por estos motivos, este disco se transforma en uno de esos discos, que no pueden ser indiferente - y es imprescindible - a tu oído musical.

The Clash - "London Calling"

http://www.youtube.com/watch?v=EfK-WX2pa8c

" Colombina Parra - Flores como gatos (2011) "

Irreverente, creativa, rupturista, inquieta, etc. Son algunas de las características heredadas de la familia Parra por Colombina. Esto siempre ha quedado en evidencia en su trayectoria artística con los ex. Hoy más que nunca con flores como gatos. Nadie hubiese esperado, hace diez años, escuchar un disco así de la hija de Nicanor. Ésto es sólo la muestra de la versatilidad artística, contenida por generaciones.

Para la sorpresa del público, flores como gatos se basa en una lógica musical casi extinta, y propulsada por un difunto hermano de Nicanor; me refiero al jazz huachaca. Roberto se inspira en el jazz del músico frances Django Reinhardt, haciendo referencias líricas a la cultura popular chilena. Fue así, como el mismo Nicanor bautizó como jazz huachaca lo que su hermano menor a menudo tocaba.

Colombina declara, al momento de componer éste disco, pasaba por un proceso emocional profundo a consecuencia de su embarazo. Junto a su hermano Juan de Dios, quien procuró los arreglos de guitarra, dio como resultado algo totalmente opuesto a la esencia punk de los ex.  No es raro que la música haya fluido dando como resultado la forma musical de Roberto; en la sangre de los Parra se lleva el adn autentico de su música, al menos así ha quedado demostrado a lo largo de las décadas que esta familia ha tenido acción en la escena artística cultural del país.

Sólo hay pequeñas diferencias con respecto al jazz huachaca original. Por ejemplo: la fuerza con la que se canta. Al igual que Violeta y Eduardo; Roberto establecía en el uso de la voz como fundamental el "cantar con el alma". Colombina Parra tiene ésto de sobra, sólo que en flores como gatos simplemente no consideró necesario, probablemente por su estado emocional apaciguo y el tipo de letras. Ésto último es otra de las pequeñas diferencias, ya que por lo general Roberto en sus letras plasmaba la realidad del bajo pueblo, visto en las calles y cantinas.

El resultado es innovador con resultado letárgicos, proporcionando un instante de reflexión y nostalgia por sus letras sencillas basadas en anécdotas cotidianas, incluso con sus padres como berlines para los dos o vamos almorzar. Generando así empatía en el que escucha.

Lo cierto es que aquellos escépticos acostumbrados versión punk de Colombina deben dar una oportunidad a flores como gatos, considerando que, la irreverencia no sólo se esconde tras una distorsión  sino tras una gama de sonidos e intensiones de las cuales la familia Parra, nos puede dar cátedra.

Colombina Parra - "Vamos almorzar" http://www.youtube.com/watch?v=XpYW09ZBS9w

" Los Bunkers - Vida de perros (2005) "

Los Bunkers - "Vida de Perros" (Chile)

Banda oriunda de la ciudad Concepción, la "Cuna del rock chileno". Son dos parejas de hermanos (López y Durán) y Mauricio Basualto. Viajaron a Santiago buscando nuevas oportunidades de mostrar su música, y consiguieron consagrarse como una de las bandas más influyentes de la escena nacional, de comienzos de siglo.

Una trayectoria marcada de grandes éxitos, como por ejemplo: "Canción para mañana", "Yo sembré mis penas de amor en tu jardín", "Miño", "El detenido", "Fantasías animadas de ayer y hoy", "No me hables de sufrir", "Entre mis brazos", "Canción de lejos", "Las cosas que cambié y dejé por ti", "Siniestra", etc. hicieron que se transformaran una de las bandas más juveniles y con más proyección en ese momento; no obstante, en ésta ocasión me dedicaré a hablar sobre el disco "Vida de perros", el cual, fue el trampolín de Los Bunkers, para llegar el mercado internacional (México y EE.UU.).

El disco se grabó - en cinta y sin la tecnología usada comúnmente - en alrededor de tres meses (durante el invierno), en la casa del antipoeta Nicanor Parra. El disco se sustenta emocionalmente, en que la gran mayoría de los integrantes había tenido decepciones (sobre todo en el ámbito amoroso), lo que provocó que cada canción esté cargada de sentimientos profundos y precisos en esa dirección.

Dos de los aspectos musicales más relevantes del disco, que se deberían rescatar son: 1. El uso de la guitarra como instrumento primordial (como se explota el recurso de manera perfecta y precisa, lo que rememora a Los Bunkers en sus comienzos. Por ejemplo: "Ahora que no estás", "Ven aquí" ó "Miéntele"); y 2. La incorporación definitiva de Francisco Durán, como segundo vocalista de la banda (lo que les permite tener una variedad sonora, y a su vez, le permite tener un descanso vocal a Álvaro Lopéz. Ejemplos: "Tú", "Llueve sobre la ciudad" y "Ahora que no estás").

Los Bunkers - "Vida de perros" (Internacional)

El disco comienza potentemente, con la canción "Ven aquí", luego - de unos tracks - nos lleva a la melancolía de "Maribel", seguidamente se nos presenta "Ahora que no estás" (canción que ya a la postre, se ha transformado en unos de sus máximos hits), a continuación se nos presenta la infidelidad de "Miéntele" y pasamos por el sufrimiento de "Vida de perros", para finalmente, terminar con "Hoy", donde nos demuestran que "...siempre habrá, más de una razón para cantar... y olvidar.", dejando en claro, que siempre después de la tormenta, viene la calma, viene la tranquilidad y vienen nuevas esperanzas donde descansar.

Finalmente, valdría la pena hacer referencia, que la gran mayoría de los tracks que trae el disco se convirtieron en hits de la banda, sumándose a la gran cantidad de hits que ya poseían, no obstante, existieron canciones que se tocaron muy poco en sus megaconciertos y otras que simplemente nunca se tocaron en público.

PD: Por la importancia internacional que ganó el disco, posteriormente se grabaron tres bonus track ("Dime quien", "Y volveré" y "Bang a gong (Get it on)"); y se realizaron tres grandes conciertos (Valparaíso, Santiago y Concepción), los cuales quedaron registrados en un DVD en Noviembre del 2006 que se llamó "Los Bunkers en vivo".




Los Bunkers - "Ahora que no estás" (Viña 2012)
http://www.youtube.com/watch?v=ETDQRK0JNy0